Cineclub Viena

Película: Lo Mejor De Mi Vida (My Life). Director: Bruce Joel Rubin. País y año: Estados Unidos, 1993. Guión: Bruce Joel Rubin. Música: John Barry. Fotografía (Color): Peter James. Intérpretes: Michael  Keaton, Nicole Kidman, Bradley Whitford, Queen Latifah, entre otros.

Sinopsis: En el momento en que menos lo espera, un joven y exitoso profesional de las Relaciones Públicas en Los Angeles (Bob Jones, espléndidamente caracterizado por Michael Keaton), es informado de que en pocos meses, merced a una enfermedad incurable, dejará de existir. Paradójicamente, su bella y solidaria mujer (Gail, interpretada por Nicole Kidman) se encuentra en proceso de gestación para, en pocos meses, dar a luz al primer hijo de la pareja.

Con mesura, sensibilidad y gran empatía, Bruce Joel Rubin, cineasta y guionista del film, hace al espectador acompañar a Bob y a su mujer en este difícil y aleccionador tránsito que, con la más que oportuna y sabia intervención de un médico tradicional chino (Mr. Ho, encarnado por Haing S. Ngoe), invita a Bob a enfrentarse, confrontarse y a aceptar que su aparente felicidad y éxito no son sino la máscara de una persona dolida que trae muchos nudos interiores y es un verdadero desconocido, tanto para sí, como para su familia y gente cercana. Atiende, entiende, comprende, resuelve y, aún a tiempo, da forma a un inapreciable legado de amor y entereza que lo reconcilia con la vida y consigo mismo. Quizá una frase del film lo resume todo: “Es duro aprender de la vida a través de la muerte”.

Reseña

Película: Los imperdonables (Unforgiven). Director: Clint Eastwood. País y año: Estados Unidos, 1992. Guión: David Webb Peoples. Música: Lennie Niehaus. Fotografía (Color): Jack N. Green. Intérpretes: Clint Eastwood, Gene Hackman, Morgan Freeman y Richard Harris, entre otros.

Sinopsis: Recreación, con sus matices muy propios, del Unforgiven realizado por John Huston el año de 1960. Para fortuna del cine, la nueva versión, dirigida en 1992 por Clint Eastwood, para nada desmerece. De hecho, incluso, logra ese año cuatro premios Oscar: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor Secundario (Gene Hackman) y Mejor Edición (Joel Cox). En ella, con gran inteligencia, se plantea (especialmente para quienes vimos la llamada Trilogía del hombre sin nombre, formada con Por un puñado de dólares, Por unos dólares más y El bueno, el malo y el feo, en que Eastwood fue dirigido por Sergio Leone, convirtiéndolo en una celebridad mundial tras ser un actor literalmente desconocido) lo que posiblemente habría ocurrido con el implacable “blondie” o “blue eyes” –motes con que se referían a él sus compañeros de empresa en las películas antes mencionadas- décadas después de episodios aventureros tales: así, Eastwood aparece casado, trabajando un pequeño ranchito de su propiedad, sin fumar sus tradicionales purillos y alejado de la bebida, elementos o ingredientes muy presentes en su imbatible gesta guerrera western.

La eventualidad de ganar una jugosa recompensa en una acción en que también median el honor y la justicia, hace que el par de pistoleros interpretados por Morgan Freeman y el propio Eastwood se decidan a empuñar las armas por última vez. Richard Harris caracteriza a un asesino a sueldo con mala suerte, en tanto Hackman encarna a un comisario mañoso, de escalofriante brutalidad. Tras aceptar el reto, Clint constata que no es lo mismo los tres mosqueteros que veinte años después, pues sus facultades para este tipo de lides han menguado ... su fórmula de reencuentro con el que fue, no deja de ser genial y divertidamente afortunada, por lo que en los enfrentamientos cruciales, canoso y todo, lo veremos de nuevo fumando sus clásicos purillos y salir a la acción luego de echarse sus buenos farolazos etílicos ... genio y figura, ¿no? Clint Eastwood declaró que Los imperdonables es un clásico moderno que “resume todo lo que siento por el género del western”. Por último, The American Film Institute incluye a esta obra entre las 100 mejores películas norteamericanas de toda su historia. Muy disfrutable y digna de verse, con un Eastwood notable en sus roles como director y actor principal.

Reseña

Película: Zorba, el griego (Zorba, The Greek) Director: Michael Cacoyannis. País y año: Grecia, 1964. Guión: Michael Cacoyannis, a partir de la novela Alexis Zorba, el griego de Nikos Kazantzakis. Música: Mikis Theodorakis, con ejecuciones del Trío Ateniense. Fotografía (B/N): Walter Lassally. Intérpretes: Anthony Quinn, Alan Bates, Irene Papas, Lila Kedrova y George Foundas, entre otros.

Sinopsis: Alan Bates caracteriza a Basil, un tímido escritor inglés que ha heredado una mina en Creta. En su viaje a esta isla, conoce a Zorba (memorablemente interpretado por nuestro paisa  Anthony Quinn) un individuo que es todo un torbellino, sabio y con fórmulas de vida por demás intensas. Pronto, Zorba se gana la confianza de Basil y forma parte de su equipo ya, situación que favorece el inicio de una por demás entrañable amistad.

La novela en que se basa la película es fantástica, llena de frases memorables, ligera en sus abordajes, divertida por momentos también, lo que facilitó de algún modo tanto su traslación a la pantalla como el éxito inédito que tuvo tras su estreno pues, amén de posicionar al cine griego en el mapa de la cinematografía mundial, pone de moda el Sirtaki, danza popular griega que Zorba le enseña a Basil y tiene siete nominaciones al Oscar en 1964, de las cuales obtiene tres: Mejor Fotografía (Walter Lassally), Mejor Actriz de Reparto (Lila Kedrova) y Mejor Dirección de Arte. También fue nominada a Mejor: Película, Actor (Anthony Quinn), Director y Guión. Lo indudable es que Zorba el griego es uno de los más apasionados estudios de la naturaleza humana llevados al cine.

Reseña

Película: Solo contra sí mismo (Ondskan/Evil) Director: Mikael Hafstrom. País y año: Suecia, 2003. Guión: Hans Gunnarsson y Mikael Hafstrom, a partir de la novela autobiográfica de Jan Guillou. Música: Francis Shaw. Fotografía (Color): Peter Mokrosinski. Intérpretes: Andreas Wilson, Linda Zilliacus, Henryk Lundström, Gustaf Skarsgärd y Pierre Tanguy, entre otros.

Sinopsis: Ambientada en la rigidez educativa que privaba en Suecia y otros países en la década de los cincuenta, Solo contra sí mismo es una película que sabe solidarizar al espectador con Eric, el protagonista, desde las primeras secuencias. Es huérfano de padre desde pequeño y, con base en varias desagradables experiencias, piensa que la violencia y los golpes físicos son la única manera efectiva de afrontar y resolver los problemas. Se convierte en un joven conflictivo y está a punto de ser marginado por la protección social, cuando surge la opción de una última oportunidad –será, quizá, la más dura de cuantas ha enfrentado- al ser aceptado en el prestigiado internado de Stjärnsberg.

Dirigida por Mikael Hafstrom y basada en la novela autobiográfica del reconocido periodista y escritor sueco Jan Guillou, Solo contra sí mismo es una muy humana lección de temple, carácter e inteligencia que ilustra el hecho de que, cuando existe un propósito superior, la resistencia pacífica es una de las más efectivas formas de lucha en pos de la victoria. Ello, aunado a cierto aparato legal y la necesaria determinación personal, pondrán en su lugar: a las cosas y a los prepotentes, mostrándolos en su pobre y cobarde mezquindad, cimentando una gran dignidad personal conquistada a pulso. Multipremiada en diversos festivales cinematográficos del mundo y nominada al Oscar a la Mejor Película Extranjera en el 2004, Solo contra sí mismo resulta ejemplar en lo que toca al carácter de quien no se corrompe con los actos de injusticia y antepone la dignidad personal por encima de todo.

Película: Ensayo de orquesta (Prova d’ Orchestra) Director: Federico Fellini. País y año: Italia, 1978. Guión: Federico Fellini y Brunello Rondi, a partir de un argumento original del primero. Música: Nino Rota. Fotografía (Color): Giuseppe Rotunno. Intérpretes: Baldwin Baas, Clara Colosimo, Elisabeth Labi, Ronaldo Bonacchi, Ferdinando Vilella y Federico Fellini, entre otros.

Sinopsis: En una capilla antigua de Roma, se llevará a cabo un ensayo. Los músicos empiezan a llegar y bromean con sus compañeros. Cuando aparece el Director de la Orquesta –un hombre de origen alemán malencarado y con poco don de gente-, los músicos se descontrolan, aun cuando buscan atender y seguir sus órdenes. De pronto, el director suspende para conceder una entrevista sobre el mundo de la música y como éste ha dejado de respetar la figura y culto  antaño profesado hacia el Director de Orquesta ... para cuando regresa al ensayo, atestigua la verdadera revuelta que, durante su ausencia, han armado los músicos. ¿Cómo restablecer el orden donde el caos impera?

Película de madurez de Fellini que sigue siendo ejemplo de su estilo singular y genialidad lúdica de siempre.

Película: La Danza de los Vampiros (The Fearless Vampire Killers or ... pardon me, but your teeth are in my neck) Director: Roman Polanski. País y año: Inglaterra, 1967. Guión: Gerard Brach y Roman Polanski. Música: Krzisztof Komeda. Fotografía (Color): Douglas Slocombe. Intérpretes: Jack Mac Gowran, Roman Polanski, Sharon Tate, Alfie Bass, Jessie Robins y Ferdy Mayne, entre otros.

Sinopsis: Partiendo de la base de que el vampiro es el héroe trágico por excelencia en el dominio del horror fantástico, de algún modo el más cercano a nosotros (en tanto acusado universalmente de monstruosidad, cuando no hace sino seguir la inclinación de su naturaleza). Despreciado, perseguido, condenado a la soledad, nunca ha pretendido ser un monstruo: las instituciones respectivas son las que lo han calificado como tal. Él sólo es un reflejo. Por ende, el conde Von Krolock y su runfla de moronguientos seguidores sólo son reflejos sin vida verdadera, a los que su instinto lleva a tratar de aferrarse desesperadamente a un mundo que los rechaza. Desde aquí se propulsa la tesis desmitificadora-reforzadora gobernante en La Danza de los Vampiros.

Así, el Profesor Abronsius (Jack MacGowran, en una caracterización tipo Einstein) y su ayudante Alfred (Roman Polanski), se enfrentan a “las fuerzas del mal” en pleno. Pero este “mal” es exhibido desde la perspectiva de lo simpático y rompiendo varias de las convenciones caras al género, con lo que Polanski pone en juego uno de los acentos distintivos de varias de las películas constitutivas de su obra hasta la fecha: el mal, en tanto que tal, acabará derrotando al bien, hecho por demás señalado con la escena final, en que quienes vinieron a combatirlo, lo esparcerán por el mundo, convirtiéndose en sus aliados involuntarios.

Reseña

Película: Érase una vez en América (Once upon a time in America) Director: Sergio Leone. País y año: Italia-Estados Unidos, 1984. Guión: Leonardo Benvenuti, Piero De Bernardi, Enrico Medioli, Franco Arcalli, Franco Ferrini y Sergio Leone, basado en la novela The Hoods de Harry Grey. Música: Ennio Morricone. Fotografía (Color): Tonino Delli Colli. Intérpretes: Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern, Treat Williams, Tuesday Weld, Burt Young, Joe Pesci, Danny Ariello y James Hayden, entre otros.

Sinopsis: Obra de largo aliento y extraordinarios méritos consagrada a la descripción de cómo fue configurándose como sociedad y potencia mundial Estados Unidos, a través de la trayectoria convergente de un grupo de amigos neoyorquinos que se conocen desde la infancia y cuyos vínculos se mantendrán hasta su avanzada madurez. Hacen carrera y fortuna durante la llamada Ley Seca y aprenden el oficio de hacerse de recursos, poder e influencias por la buena o por la mala.

Sergio Leone, su realizador, esperó largos 16 años para poder dirigirla, pues los productores no creían en su potencial éxito ... pero luego de estrenarse, el reconocimiento mundial hacia este trabajo non se produjo de inmediato. Robert De Niro despliega una de las mejores actuaciones de su carrera, en tanto Ennio Morricone vuelve a crear una banda sonora memorable y magnífica. Con Érase una vez en América, Sergio Leone culmina su segunda trilogía, antecedida por Érase una vez en el Oeste y Érase una vez la Revolución, por lo que se permite descansar en paz, con la satisfacción del deber cumplido, cinco años después. Epopéyica, formidable, muy humana es una de las obras mayores en la historia toda del cine.

Reseña

Película: Los años dorados (On Golden Pond) Director: Mark Rydell. País y año: Italia-Estados Unidos, 1981. Guión: Ernest Thompson. Música: Dave Grusin. Fotografía (Color): Billy Williams. Intérpretes: Henry Fonda, Katharine Hepburn, Jane Fonda, Doug McKeon, Dabney Coleman y William Lanteau, entre otros.

Sinopsis: Merecedora en 1981 de los Oscar a Mejor Actor (Henry Fonda), Mejor Actriz (Katharine Hepburn) y a Mejor Adaptación Cinematográfica (Ernest Thompson), Los años dorados, película financiada y producida por Jane Fonda, se constituye en la oportunidad de brindar un homenaje en vida con su padre –con el que coactúa en el film-, quien se encontraba afectado ya por un avanzado cáncer. Los personajes centrales de la historia son el Profesor Thayer (Henry Fonda), su esposa Ethel (Katharine Hepburn), Chelsea (Jane Fonda) y Johnny, el hijo de esta última.

Con la velada intención de mostrar a Henry Fonda en un film en que apareciese, en lo posible, como el ser humano que era en la vida real de ese entonces, la trama no desarrolla situaciones muy fuera de lo común: retirado recientemente de sus labores académicas, el Profesor Thayer vuelve al sitio donde su niñez y juventud tuvieron lugar, en compañía de su esposa: un bello paraje americano llamado Laguna Dorada. Billy Williams, fotógrafo de la película, con maestría, creatividad y buen gusto retrata en sus ángulos más ensoñadores el lugar, particularmente aquellos en que la laguna y el paisaje iluminado por un sol de tonos incendiados son los protagonistas. Esta lograda labor se complementa con la sugestiva partitura creada ex profeso por Dave Grusin.

Los rostros, las circunstancias, las inquietudes reveladas, los modos de oponer y solucionar los pequeños y grandes problemas que se suscitan en una vida más que cotidiana, son los que se exploran de modo más insistente en la película de Mark Rydell. Sin embargo, la sobresaliente caracterización que hace Henry Fonda de su personaje, invita al tránsito de umbrales que no son frecuentemente recorridos por el cine comercial: la vejez, lo necesario de prepararse no sólo para aceptarla como tal sino para disfrutarla ... y, en última instancia, lo útil y sano de entender a la muerte como la lógica y climática resultante de una existencia suficientemente bien vivida.

Reseña

Película: La tierra de la gran promesa (Ziemia obiecana) Director: Andrzej Wajda. País y año: Polonia, 1975. Guión: Andrzej Wajda, basado en la novela Promise Land de Wladyslaw Reymont. Música: Wojciech Kilar. Fotografía (Color): Witold Sobocinski, Edward Klosinski y Waclaw Dybowski. Intérpretes: Daniel Olbrychski, Wojciech Pszoniak, Andrzej Seweryn, Anna Nehrebecka y Tadeusz Bialoszczynski, entre otros.

Sinopsis: Obra mayor, de tintes epopéyicos, dirigida por Andrzej Wajda, el cineasta polaco más importante y consistente de todos los tiempos, maestro de generaciones de directores en la Escuela de Cine de Lodz y autor, entre varias decenas de films, de La tierra de la gran promesa, realizada en 1975 y nominada al Oscar a la Mejor Película Extranjera. La película sitúa su acción en la época de La Revolución Industrial Polaca, en particular en la ciudad de Lodz y centra su anecdotario en la audaz aventura de tres jóvenes que harán todo por lograr ser empresarios ... como en los chistes: uno polaco, otro alemán y otro judío. El retrato de cada uno es excelente: muestra las tendencias diríase que “naturales” del judío hacia la riqueza; el del alemán, calculador y ambicioso; y en el caso del polaco, quien acaba por llevar todo al voladero, merced a su vida bohemia y libertina, llegando al límite mismo de ordenar acciones brutales en contra de obreros connacionales que trabajan en su fábrica.

Reseña

Película: Frida, naturaleza viva Director: Paul Leduc. País y año: México, 1983. Guión: José Joaquín Blanco y Paul Leduc. Música: No aparece ningún crédito individual para este rubro; sólo los nombres de los temas incluidos, su autor e intérprete. Fotografía (Color): Ángel Goded. Intérpretes: Ofelia Medina, Juan José Gurrola, Max Kerlow y Salvador Sánchez, entre otros.

Sinopsis: Notable creación de Paul Leduc que muestra la vida de Frida Kahlo, la pintora mexicana más reconocida en el mundo. Ofelia Medina encarna espléndida a Frida, cuyos padecimientos y angustias quedaron atrapados en sus célebres trazos y pinceladas.

A través de los ojos de la célebre artista, se conoce su relación con Diego Rivera, el célebre muralista mexicano (Juan José Gurrola) y el mismísimo León Trotsky (Max Kerlow), durante su exilio en México tras la persecución stalinista, así como la vida artística, intelectual y de lucha social en el México de la década de los cuarenta. Una de las mejores realizaciones de Leduc, al servicio de una de las más esplendentes creadoras de la plástica mexicana y universal.

Reseña

Película: La doble vida de Verónica (La double vie de Verónique) Director: Krzyztof Kieslowski. País y año: Francia-Polonia-Noruega, 1991. Guión: Krzysztof Kieslowski y Krzysztof Piesiewicz. Música: Zbigniew Preisner. Fotografía (Color): Slawomir Idziak. Intérpretes: Irene Jacob, Halina Gryglaszewska, entre otros.

Sinopsis: Este film prefigura ya la famosa trilogía de Kieslowski  (Rojo, Blanco y Azul) en al menos dos de sus ejes: la vinculación de sus personajes centrales (una polaca –Veronika- y otra francesa, Véronique) que, de algún modo, lo reflejan a él mismo: polaco de alma, con un aire francés en su estilo. El otro eje: la fascinación de ambas mujeres por la música, elemento que las vinculará en vida y muerte, dolor y culminación.

En la contraportada del estuche del DVD se apunta: “¿Qué hay en un nombre? ¿Cómo podemos estar definidos por él, más allá de quiénes somos realmente? ¿Es nuestro nombre el que nos proporciona aliento, personalidad, experiencia, pasado, porvenir y vida? Verónique vive en París, Verónica en Varsovia. Son dos mujeres que nunca se han conocido ... pero con algo que las unirá por siempre”.

Reseña